Trait distinctif : Haendel travaillait vite ... il composa Le Messie en vingt quatre jours.

Comme beaucoup de ses contemporains, Haendel fut un compositeur extrêmement fécond. Il produisit dans à peu près tous les genres pratiqués à son époque des oeuvres d'importance majeure, que ce soit en musique instrumentale ou vocale.

L'importance de sa production va de pair, comme chez beaucoup de ses contemporains, avec une réutilisation fréquente de ses thèmes les plus réussis, qu'il n'est pas rare de retrouver parfois à l'identique dans plusieurs oeuvres. Il n'hésitait pas, par ailleurs, à utiliser des thèmes d'autres compositeurs. Cette pratique courante à cette époque était également utilisée par Bach.

Il ne fut pas créateur de formes ni de genres, mais il reprit ceux légués par ses prédécesseurs en les élargissant considérablement tant sur le plan structural qu'expressif, en les portant à un degré de perfection et d'universalité inconnu avant lui.

Bien que maîtrisant parfaitement le contrepoint, ses avancées en ce domaine ne sont en rien comparables à celles de Johann Sebastian Bach. Haendel se montre moins révolutionnaire qu'évolutionnaire.

En fait, si les deux hommes, exacts contemporains issus de la même région d'Allemagne, représentent ensemble un apogée de la musique baroque européenne, ils divergent radicalement sur de nombreux points :

• Bach, marié deux fois, engendra plus de vingt enfants, quand Haendel vécut célibataire jusqu'à la mort.
• Le cantor de Leipzig ne quitta quasi jamais sa région d'origine, pendant qu'Haendel sillonnait l'Europe.
• Bach était chez lui dans la musique religieuse, alors que Haendel composait surtout de la musique profane.
• Bach resta relativement ignoré de son vivant et presque oublié quelque temps, alors que Haendel connut les plus grands succès, avant et après sa disparition, ce que l'on peut expliquer par le style, très différent, entre les deux génies.
• Bach conservant une grande métrique dans ses oeuvres, tandis qu'Haendel accordait une plus grande part à l'imagination et à la mélodie. Parti pris qui survivra et dominera largement la période de la musique romantique, jusqu'à nos jours où, de manière générale, on considère que la plus grande part de l'écriture et de l'interprétation musicales doivent être consacrées à l'émotion.

Ces deux grands musiciens se connaissaient par leur musique et leur réputation respectives; ils faisaient tous deux partie de la même société savante et avaient de nombreuses relations communes. Il faut certainement interpréter le fait que Haendel ne se soit jamais dérangé pour rencontrer Bach, alors qu'il hésitait si peu à voyager et à rencontrer tous ses collègues, soit par le sentiment de ne pas être à la hauteur, soit par celui de leur incommunicabilité réciproque.

Il a été un autodidacte passionné de son art, copiant et étudiant sans relâche les oeuvres de ses prédécesseurs et de ses contemporains, développant sa science de la composition et particulièrement du contrepoint jusqu'à un niveau inconnu avant lui et, depuis lors, jamais surpassé.

À la croisée des principales traditions musicales européennes, il en a opéré une synthèse très novatrice pour son temps. Bien qu'il n'ait pas créé de forme musicales nouvelles, il pratiqua tous les genres existant à son époque à l'exception de l'opéra : dans tous ces domaines, ses compositions, dont seules une dizaine ont été imprimées de son vivant, montrent une qualité exceptionnelle et un équilibre parfait entre le contrepoint et l'harmonie. Il est en particulier le grand maître de la fugue, du prélude de choral, de la cantate religieuse et de la suite qu'il a portés au plus haut degré d'achèvement.

De son vivant, il semble qu'il fut considéré comme un virtuose du clavier et un excellent autodidacte de l'écriture musicale. Il prétendait jouer tout à première vue, et pouvait improviser sur le champ une fugue à trois voix. Il avait aussi une compétence reconnue et très sollicitée en expertise de facture instrumentale. Ses contemporains l'ont souvent considéré comme un musicien austère, trop savant et moins tourné vers l'avenir que certains de ses collègues. Il a formé de nombreux élèves et transmis son savoir à plusieurs fils musiciens pour lesquels il a composé quantité de pièces à vocation didactique, ne laissant cependant aucun écrit ou traité.

Peu connue de son vivant au-dehors de l'Allemagne, passée de mode et plus ou moins oubliée après sa disparition, pleinement redécouverte au XIXe siècle, son oeuvre, comprenant plus de mille compositions, est généralement considérée comme l'aboutissement et le couronnement de la tradition musicale du baroque : elle a fait l'admiration des plus grands musiciens, conscients de son extraordinaire valeur artistique. Objet d'un culte chez les musicologues et musiciens, Jean-Sébastien Bach est, de nos jours, considéré comme un des plus grands compositeurs de tous les temps, si ce n'est comme le plus grand.

Les dix dernières années de sa vie, Bach limite sa production essentiellement à la composition, au rassemblement et à la mise au propre d'oeuvres magistrales ou de cycles synthétisant et concrétisant son apport théorique, constituant une sorte de « testament musical ». Il est dans cette phase de sa vie, où « il ne pouvait toucher une plume sans produire un chef-d'oeuvre ».

Contrairement à beaucoup de compositeurs et artistes, Bach ne recherchait pas une reconnaissance humaine ni sa propre gloire, mais surtout celle de Dieu. Pratiquement toute son oeuvre lui était consacrée, en témoignent ses nombreux manuscrits qui se terminent par les initiales S.D.G (pour Soli Deo Gloria : À Dieu seul la gloire). Selon le musicologue français Gilles Cantagrel, même les compositions dites « profanes » de Bach sont empreintes de références chrétiennes, exprimant parfois « le mystère de la Rédemption sur la Croix ».

Avec Jean-Sébastien Bach, la musique baroque atteint à la fois son apogée et son aboutissement. Dès sa disparition, le musicien, déjà relativement peu connu de son vivant, est quasiment oublié parce que passé de mode, et dépassé par les nouvelles idées du classicisme, tout comme le contrepoint qu'il a porté à une perfection inégalée.

Depuis, son oeuvre reste une référence incontournable pour l'ensemble de la musique occidentale.

Wolfgang Amadeus Mozart lui-même découvrit une partie de l'oeuvre de Bach et les oratorios de Haendel. En 1787, il découvre un motet et s'exclame : « Pour la première fois de ma vie j'apprends quelque chose ». Mozart assimila cet immense héritage, son écriture en fut changée, et les connaissances acquises se retrouvent dans son oeuvre.

On reconnaît généralement qu'il a porté à un point de perfection le concerto, la symphonie, et la sonate, qui devinrent après lui les principales formes de la musique classique, et qu'il fut l'un des plus grands maîtres de l'opéra. Son succès ne s'est jamais démenti. Son nom est passé dans le langage courant comme synonyme de génie, de virtuosité et de maîtrise parfaite.

Si Mozart est le meilleur représentant du style classique, son style va toutefois bien au-delà : il est l'un des plus personnels et des plus immédiatement reconnaissables à l'oreille.

Il est impossible de définir Mozart par un genre précis. Mozart est un touche-à-tout qui s'approprie chaque genre, chaque forme, chaque instrument pour mieux le réinventer. Si les traits principaux du style classique sont bien présents dans ses oeuvres, si son don inné pour la mélodie est une évidence, Mozart en joue pour mieux faire ressortir tel motif, telle dissonance, surprendre par des audaces peu prisées de ses contemporains.

Mozart n'était pas pour autant un révolutionnaire. Il est l'auteur d'une abondante production de divertimenti, menuets et airs très conformes aux conventions de l'époque, sans jamais se laisser enfermer dans un registre.

Cultivé, curieux, sans cesse à l'écoute des inventions musicales ou artistiques de son époque, Mozart a su jusqu'au bout faire évoluer son style au gré des découvertes.

Le propre du génie mozartien est là : avoir su s'inspirer de ses contemporains sans jamais suivre d'autre modèle que le sien propre. La conscience de son génie lui donne une impertinence acérée qui fait partie de sa tournure d'esprit foncièrement anti-conformiste.

La force et la grâce, la puissance et l'émotion, le pathétique, l'humour, l'élégance la plus exquise sont réunis dans son oeuvre pour faire de Mozart le compositeur le plus accompli de sa génération avec Haydn.

On peut dire de sa musique qu'elle a poussé la forme classique, la musique du XVIIIe siècle, à son paroxysme, avant l'avènement du romantisme. Son génie est d'avoir mis toute la tendresse, toute la musicalité dans cette forme dite classique.

Mozart a eu une grande influence sur l'histoire de la musique, et ce directement auprès de ses contemporains. Il clôt une période plus qu'il en ouvre une autre.

Les successeurs de Mozart n'y échappent pas. Beethoven, qui l'a croisé en 1787. Schubert, davantage, qui grandit à Vienne à l'époque même où le génie de Mozart est enfin unanimement reconnu, quelques années après sa mort.

Aujourd'hui, il est incontestablement le plus populaire des classiques.

Bien que disparu précocement à 31 ans, Schubert est l'un des plus grands compositeurs du XIXe siècle avec plus de mille compositions, dont une grande partie, publiée après sa mort, révélera des chefs-d'oeuvre qui contribueront à sa renommée.

Schubert a écrit pour tous les genres musicaux et s'il est reconnu comme maître incontesté des lieder (chansonnettes), composés sur des textes des plus grands poètes de la langue allemande, il s'est particulièrement consacré à la musique de chambre.

Schubert a aussi écrit de nombreuses oeuvres pour piano, une dizaine de symphonies dont quelques-unes inachevées, ainsi que de la musique chorale et sacrée.